《戦争の惨禍》は1810年から1820年にかけてフランシスコ・デ・ゴヤが制作した版画（エッチング）作品。

ゴヤは板を制作する際、制作意図は特になかったが、美術史家の多くは、1808年にマドリードで発生したフランス軍に対するスペイン市民の反、その後1808年から1814年までの半島戦争、そして1814年のブルボン王朝復興体制による一連の自由主義運動の勃興と頓挫を表現したものだと見なしている。

ナポレオン皇帝とスペイン間での戦争中、ゴヤはスペイン王室の第一宮廷画家の立場にあり、スペントとフランスの支配的立場にある人々の肖像画を制作していた。

当時ゴヤは戦争に強く影響を受け、注文絵画とは別にプライベートで戦争に対する自分の思いを描いた版画を制作していた。その内容はフランス王室の復興とブルボン王朝を批判する内容だった。62歳のゴヤは体調が悪くほとんど聾唖状態で版画制作を始めた。

この作品はゴヤが秘密裏に制作していたため生存中は一般公開されておらず、死後35年後の1863年に版画集が出版された。1000部以上印刷されたが、のちに出版されたものは品質が良くなく、多くの版画コレクションが少なくとも一冊は所蔵している。

フランシスコ・デ・ゴヤに戻る

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/The_Disasters_of_War

スペインを代表する芸術家サルバドール・ダリに関する施設や美術館はスペインにたくさんある。特に重要なのはスペイン北西部カタルーニャ地方にある３つの主要な美術館「ダリ劇場美術館」「ポルト・リガトのダリの家」「プボルのガラの家」からなる「ダリニアン・トライアングル」。

ダリニアン・トライアングルとは、カタルーニャのダリ関連の３施設を結ぶと形成される約40平方キロメートルの三角地帯で、カタルーニャ州北部、バルセロナよりもかなり北にあり、フランス国境に近い場所にある。

これらの施設は全て外観から内装までダリ自身が手を加えて「自分の世界」に作り変えたもので、美術館であると同時にダリ自身の作品でもある。

公式サイト：http://www.salvador-dali.org/museus

ダリ劇場美術館は、スペインのカタルーニャ州フィゲラスにあるサルバドール・ダリの美術館です。スペインに数あるダリ美術館の中でも最も人気が高い美術館で、ここには、約1万点以上にもおよぶダリの作品を収蔵されています。

屋根の上に卵がのっていたり、壁一面にパンのオブジェがくっついているなど、ダリが執着したモチーフが散りばめられているのが特徴です。外観デザインはもちろんダリ自身。

建設時、ダリはこのように話しています。

「私はシングルブロックの迷宮的なシュルレアリスムオブジェが作りたかった。ダリ劇場美術館は全体としては劇場美術館になっており、来場者は演劇的な夢世界を楽しむことができるだろう。（サルバドール・ダリ）」

ダリ劇場美術館の最大特徴は、ダリが子どものときに初めて美術に触れて感動した市民劇場を改修・収容したていることです。市民劇場はかつてダリが洗礼を受けた教会の向かいにあり、ダリの絵が最初に展示された場所ということもあり、強い思い入れがありました。

しかし市民劇場は、スペイン市民戦争のときに破壊され、その後何十年も倒壊したままになっていました。そこで1960年にダリとフィゲラス市長は、町で最も有名な市民であるダリの美術館として再建することを決定しました。市議会も再建計画を承認し、翌年に工事を始め、1974年9月28日に美術館がオープン。以後1980年代なかばまで増築されました。

ダリ劇場美術館では、コインを入れると車内に雨が降る作品「雨降りタクシー」や「20メートル離れるとリンカーンの顔が見えてくるガラの後ろ姿」など、ダリ作品のなかでも最も大きな作品を中心にダリの数十年におよぶ美術活動で制作された絵画、彫刻など多様なコレクションが収蔵、展示されています。

特に人気が高いのは、特定の場所に立つと、メイ・ウェストの顔のように見えるリビングルーム。

ほかにダリ劇場美術館では、エル・グレコ、ブリューゲル、マルセル・デュシャン、ウィリアム・アドルフ・ブグローなど、ダリが個人的にコレクションしていた芸術家たち作品も展示されています。

二階のギャラリーでは、ダリの死後に博物館の館長となり、またダリの友人でもあったカタルーニャの芸術家であるアントニオ・ピトーの仕事場となっています。

ガラスのジオデシック・ドームの下は劇場ステージ。ステージの床は赤レンガになっていますが、床の中央の石の部分にダリの亡骸が埋葬されています。

ポルトリガトのダリの家は、カタローニャ州ポルトリガトにあるサルバドールの美術館。ダリは1930年から1982年に妻のガラが死去するまで、おもにここで生活し、また美術制作をしていました。内部は迷宮的な構造になっており、すべての部屋は異なる形状の窓があります。

1930年、ダリとガラは、カダケス郊外の小さな入り江ポルト・リガトにある漁師小屋のひとつを手にいれます。水道設備は井戸水だけで、電気も暖房もなかった小屋を2人は少しずつ改装して、住居にしました。

冬にパリに行くほかは訪れる人もまばらなこの家で、ダリは創作しし、ガラは読書をするなどして静かに過ごしました。初めは小さな小屋だった住居は、周りの小屋を買い取るなどして次第に増築され、以後40年以上にわたって拡張されていきました。

プボル城はスペインのカタローニャ州のジローナ県にある古城でサルバドール・ダリの晩年の住処。ガラの亡骸が埋葬されています。

1968年にはガラのためにプボル城を購入。ガラは1971年から1980年までプボル城で毎年夏を過ごすようになります。ダリはガラからプボル城に無断に立ち入ることは許されておらず、事前に手紙でガラから訪問許可を取る必要があったといいます。ガラの生前、ダリはプボル城にはほとんど泊まったことがなかったのです。ガラはダリの創作活動を支えるかたわら、奔放で激しい性格のため夫婦関係において互いに自由な関係を楽しむことを好みました。

1982年にガラが死去すると、ダリは初めて本格的にプボル城に入城し、そこで生活を始めるようにります。しかし、1984年にベッドルームで火災事故を起こしてダリは大火傷します。自殺を試みたと考えられていたので、事件以後、ダリが死去するまでダリはスタッフの近くで監視されるようになりました。

ダリ死後は、1996年にプボル城は「ガラ・ダリ城美術館」として一般公開されました。この古城には、ダリが夫人に贈った絵画や版画をはじめ、ダリの手紙やガラ夫人のドレスコレクションなどが展示されています。

ダリは若いころから絵と同じくらい映画が好きで、日曜日にはいつも映画館に通いつめていた。

1929年に、ルイス・ブニュエルと共同で17分の無声映画「アンダルシアの犬」を制作。「アンダルシアの犬」はカミソリで人の眼球を引き裂く衝撃的なオープニングシーンで世界的に有名なシュルレアリスム映画である。「アンダルシアの犬」は、ダリとブニュエルが互いに夢で見た情景を元にして制作したという。

ダリはアルフレッド・ヒッチコックに多大な影響を与えている。ダリの影響が濃く現れる代表的な映画は「白い恐怖」で、ヒッチコックによれば、ダリの作品は自分が映画の中で欲していたイメージにぴったりで、映画を作るさいに大変な助けとなったという。

ダリはウォルト・ディズニーと短編アニメーション「運命」のコラボレーション映画を制作をしていた。1946年に制作が開始されたものの、戦争や資金運営難などのトラブルが生じて制作が中止。しかし、2003年にベーカー・ブラッドワースとウォルトの甥のロイ・E・ディズニーが中止になっていたプロジェクトを再開させ完成。インタラクティブなダリの作品とディズニーのキャラクターのアニメーションとなっている。

1970年代に映画監督のアレハンドロ・ホドロフスキーは、フランク・ハーバートの小説を基盤にした映画「Dune」の制作で、皇帝役にダリを起用。

2013年のドキュメンタリー映画「ホドロフスキーのDune」によれば、ホドロフスキーはマンハッタンのセント・レジス・ホテル内のキング・コール・バーでダリと会い、役の話を行なった。

ダリは映画に関心を示したものの、ハリウッドで最高報酬の俳優を条件に出演交渉をする。ホドロフスキーは要求に応じて皇帝役にダリを起用し、1分間の出演で10万ドルのギャランティを支払う約束をした。

そのためダリの出演時間は数分のものとなったが、「Dune」のプロジェクトは未完成のまま公開されることはなかった。

サルバドール・ダリTop

・https://en.wikipedia.org/wiki/Visionary_art

・Mixi：Visionary Art

際的な美術界で新たな議論の対象として浮上してきたヴィジョナリーアート（Visionary Art ）に関する情報交換を目的としているコミュニティ。ヴィジョナリー・アート情報豊富。

テニエルはロンドンの中心部シティ・オブ・ウェストミンスターにあるベイズウォーター

で、ユグノー移民でフェンシングとダンスの達人だった父ジョン・パブティスト・テニエルと母エリザ・マリア・テニエルとの間に生まれた。テニエルは5人兄妹だった。兄妹の１人メアリーはのちにコーニッシュウェア社を設立したトーマス・グッドウィン・グリーンと結婚している。

テニエルは少年時代からずっと物静かで内気な性格だった。有名になっても昔からずっと変わらず、環境変化の影響を受けなかった。伝記作家のロドニー・エルゲンはテニエルについて「生活や仕事は最高に紳士的であり、社会的地位の端で生活していた」と述べている。

1840年、20歳のとき、テニエルは父親とフェンシングの練習をしているときに、父親のフェンシングの保護先端がとれるトラブルのせいで、剣先が眼に刺さり大怪我をする。その後、テニエルの右目は徐々に見えなくなっていった。テニエルは父親を狼狽させたくなかったので、傷の話をすることはなかったという。

美術方面に関心があったにもかかわらず、テニエルは風刺ユーモア作家として知られるようになり、またチャールズ・キーンと知りあり、互い風刺似顔絵の才能を高めていった。

テニエルは古典彫刻のデッサンの試験に受かり1842年に王立アカデミーに入学したものの、学校の美術教育に対して疑問を持ち、批判的だったので、結局学校をやめて独学で絵の勉強をするようになる。

テニエルは絵画を通じて古典彫刻を勉強したいと思っていたが、学校では絵の授業はまったく教えてくれず、不満が募っていったのが退学の理由だという。

テニエルは、ロンドンのタウンレイ・ギャラリーに通い古典彫像のデッサンをおこない、大英図書館でファッションや武具の本からイラストレーションの練習をし、リージェントパークにある動物園で動物を模写し、ロンドン劇場で俳優を描いた。

このような独自の絵画研究の過程で、テニエルは対象の細部を見て描くことを愛するようになった。しかしながら、彼は仕事を通じてせっかちになったので、記憶を頼りにして絵を描く能力も身につけることも楽しくなったという。

ほかに正式な美術教育に相当するものといえば、テニエルは芸術グループに参加したことだろう。そこはテニエルを息詰まらせたアカデミーの規則から自由だった。1840年代なかばにテニエルは「芸術家クラブ」や「クリップストーン・ストリート・ライフ・アカデミー」などに参加し、そこでテニエルは風刺イラスト作家の才能を育んでいった。

パパペトルは1960年にメルボルンでギリシア移民の家族のもとで生まれた。メルボルン大学に入学し、1984年に芸術学と法学の学位を取得して卒業。1997年にロイヤルメルボルン工科大学で芸術学位を取得し、2007年にはモナシュ大学で博士号を取得。なお、1985年から2001年まで彼女は弁護士と活動していた。

「子供時代」が彼女にとっての芸術アイデンティティとして一般的に知られているが、活動初期においてはほかにもさまざまなアイデンティティを探索していた。

パパペトルの写真撮影を通じた芸術表現は1987年初頭からはじまる。1987年から2005年までパパペトルは、エルビス・プレスリーのファンや、メルボルン公共墓地でプレスリーの死を追悼して彼に扮装する熱烈なファンたちを撮影してきた。このシリーズは『エルビスは死なない』というタイトルで1987年から2002年まで続けられた。

エルビス・プレスリーへの関心は彼と同じくらい影響力のある女性像であるマリリン・モンローへと移することになった。2002年に『マリリンを探して』というシリーズの写真を撮影している。ファンや信奉者に焦点を当てた『エルビスは死なない』シリーズと異なり、ハリウッドの産物としてのマリリン・モンローと幻想に焦点をあてた。また、現代の女性の象徴であるマリリン・モンローと古典美術における理想的な女性像を対比させた。

このような被写対象の変化は、絶えず変化していく状況においても不変的な自身のアイデンティティを模索していたと考えてもよういだろう。

1990年から2002まで、パパペトルは身体や衣装を基盤にしてアイデンティティを構築することに関心を持ち、また同時にボディビルダーやドラァーグクィーンたちを探求していった。

90年代に入るとパパペトルはプロレスラーやボディビルダーたちを撮影し始める。サーカス団の生活にも関心を持つようになり、90年代初頭にメルボルンにあるシルバーズ・サーカスやアシュトン・サーカスのパフォーマーたちを撮影するようになる。

その後、北メルボルンのナイトクラブや、メルボルンのサン・レモ・ボールルームででドラァーグクイーンを撮影するようになる。これらの作品は2013年にメルボルンの現代写真センターで開催された「Performative Paradox」展で展示さた。

1996年にメルボルンの現代写真センターで開催された個展『洗練された身体』では、これらの写真を展示して、ジェンダーにおける生物学的な側面や社会的構造を反映させた。たとえば、どのようにボディビルダーはダイエットやトレーニングを通じて自身の身体を改造したかが分かるよう展示構成されていた。

また、古代ギリシア美術における理想的に身体構造とボディビルダーたちの理想美の関連性を結びつけた。

2002年にパパペトルは、子ども時代のアイデンティティ表現を探求し始める。パパペトルはさまざまな状況下における子どもの姿を探求していると話している。

いろいろな姿に変化させられた子どもたちの姿を見ることで、成長による身体の変化や、当てられた役割を演じることで変化するアイデンティティの発展プロセスに、彼女自身が魅了されているかがわかる。

 2003年の『ドリームチャイルド』シリーズは、19世紀の写真家チャールズ・ドジソンの写真を基盤にした作品である。彼女はドジソンが撮影した子どもの写真をリメイクする作品を制作した。

彼女は自分の娘オリンピアにドジソンが撮影した少女たちと似た服装を着せ、同じ背景で、同じポーズをさせて撮影した。『ドリームチャイルド』シリーズは、2003年にヴィクトリアのベンディゴ・アート・ギャラリーで展示が行われた。

また、2004年には『不思議の国のアリス』を主題にした写真シリーズを行う。娘オリンピアをアリスを演じさせ、子どもの心理面と肉体面を探求した。写真撮影をする際には、ジョン・テニエルの挿絵で描かれたオリジナルの出版物『不思議の国のアリス』で登場したイラストレーションを基盤にして、劇場から背景や小道具を実際に借りて撮影を行った。このシリーズは2004年にソドニーのスティールズ・ギャラリーで展示された。

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Polixeni_Papapetrou

ドジソン一家は北イングランドに住むアイルランド系で、保守的な英国国教会の信徒だったとされている。

祖先の男性の多くは軍人もしくは英国国教会の聖職者だった。曾祖父のチャールズ・ドジソンはエルフィン司教の教会地位まで登りつめ、また同名のドジソンの父方の祖父チャールズは陸軍将校で、1803年に戦死。戦死した当時チャールズには2人の子どもがおり、上の男の子がルイス・キャロルの父チャールズ・ドジソンだった。

父はウェストミンスター・スクールに通い、その後、オックスフォード大学に進学。特にドジソンの父は数学的才能が抜群だった。卒業後、1827年にいとこのフランセーズ・ジェーン・ラトウィッジと結婚し、地方の牧師となって生活をしていた。

ドジソンはイングランド北西部チェシャーの都市ウォリントンのディアズベリーにある小さな牧師館で生まれた。牧師館とは各教区の牧師が居住する家屋で、父は教区牧師だった。8人兄妹の3番目の長男で、彼の上には2人の姉がいた。

ドジソンが11歳のとき、父親から北ヨークシャーにあるクロフトオンディーズで生活することになり、一家は部屋の広いそちら側へ移ることになった。その後、25年間一家はこの家屋で過ごすことになった。

ドジソンの父は極度に保守的な英国国教会の聖職者であり、活動家だった。父はのちにリッチモンド大司教にまでのぼりつめる。神学者ジョン・ヘンリー・ニューマンの崇拝者で、またオックスフォード運動の支援者でもあった。幼少時のドジソンはこのような父親から厳しい聖職教育を受けて育った。若いころのドジソンは父親の価値観とイングランド教会全体の価値観との曖昧な関係を築いて育つことになった。

若い頃のドジソンは自宅で教育を受けた。家族が保管していたドジソンの読書リストによれば、彼が幼少時から知能が高かったことがうかがえる。7歳までにドジソンは『天路歴程』を読んでいる。

ドジソンは幼少のころから吃音症で苦しみ、社会生活に馴染みづらかったという。なお、吃音症はドジソンだけでなく兄弟の多くが患っていた。12歳のときにドジソンはリッチモンド近郊にあるリッチモンド文法学校で学ぶ。

1846年にドジソンはラグビー後に入学。しかし、そこでの学生生活はあまりよいものではなかったという。成績自体は極めて優秀で、当時の教師は「私がラグビー校に赴任して以来、彼より優れた同学年の子はいなかった」と、当時のドジソンの事を述べている。

1849年の終わりにラグビー校を去り、1850年5月にオックスフォード大学へ入学。大学の部屋が利用可能になるのを待ち、1851年1月から大学の部屋に居住するようになる。ドジソンの初期のアカデミックのキャリアは、大きな期待と魅力的でない気晴らしの間を行き来していた。

彼は常に真面目な勉強家だったわけではなく、もともと天才であり、簡単に学位を取得。1852年に数学で最高級学位を取得し、その後すぐに父の旧友のエドワード・ブーベリー・ピュゼーから奨学を受けることになった。1854年にドジソンは最終数学で最高級学位を取得する。1855年のクライスト・チャーチ数学講座を取得し、同校の数学講師となったチャールズは以降26年間にわたり仕事を続けた。

彼は死ぬまでアリス・リデルが住んでいたディアナリー近くのオフィスで、クライスト・チャーチ図書館員を含むさまざまな仕事を黙々とこなした。

1856年にドジソンは、叔父のスケフィントン・ラトウィッジの影響で写真に興味を持ちはじめ、その年の3月18日にオックスフォードの友人であるレジナルド・サウジーとともにカメラを購入し、写真撮影を始めるようになる。

写真を始めるとすぐに、ドジソンは宮廷写真家として知られるようになる。腕前が良かったことからアマチュアながらも非常に早い段階で、写真で生計を立てようと思ったこともあったほどだという。

現存している彼が撮影した全写真を徹底的にリスト化したロジャー・テイラーやエドワード・ウェイクリングの研究『Lewis Carroll, Photographer』（2002年）によれば、作品の半分以上が少女を撮影したものだという。

カメラを入手した1856年にチャールズは、一連のアリス・シリーズのモデルであるアリス・リデル（当時4歳）の撮影を行っている。少女以外の写真では、男性、女性、少年、風景を撮影したものが大半で、サブジェクトとして骸骨、人形、犬、彫像、絵画、木などがよく撮影されている。

ドジソンの子どもの写真は、保護者同伴で撮影されている。写真の多くは日当たりの良いリデル・ガーデンで撮影されている。ドットソンのお気に入りの少女は、アリス・リデルのほかに、エクシー（Xie）ことアレクサンドラ・キッチンが知られている。エクシーが4歳から16歳までの期間にわたり、約50回の撮影を行っている。

 写真撮影技術は上流階級のサークルに入るのに非常に有用であることが分かると、ドジソン多数の肖像写真を撮影している。

人生で最も生産的だった時期にドジソンは、ジョン・エヴァレット・ミレー、エレン・テリー、ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ、ジュリア・マーガレット・カメロン、マイケル・ファラデー、ロバート・ガスコイン＝セシル、アルフレッド・テニスンなど多数の上流階級の著名人の肖像写真を撮影している。

1880年にドッドソンが写真撮影をしなくなるまでに、クライスト・チャーチの中庭には彼自身の写真館を持ち、約3000枚の写真を現像し、これらの写真の内、1000枚足らずが破損を免れて現存している。アマチュア写真の巨匠として知られるようになった。

破棄された写真のなかには、ドジソンは少女たちのヌード写真も多数撮影したと考えられているが、それらの写真の大半はチャールズの存命中に破棄されたか、モデルに手渡されて散逸したと推測されている。

これらのヌード写真は長い間失われていたと考えられていたが、6枚が発見され、その内の4枚が公開されている。

1870年代に素早く写真を現像するためドジソンは写真湿板を使い始めた。写真湿板はそれまでダゲレオタイプと同じ画質ながら、安価であり、1枚のネガから何枚もプリントでき、感度が高く露光時間が短かった。写真湿板はこれまでのダゲレオタイプやカロタイプを駆逐し、写真制作の主要な手段となった。

写真湿板の制作過程は油彩絵画の制作と似ており、器用さや化学的知識を必要とし、不適切な使い方をするとすぐに腐食してしまうという。

モダニズムの発展とともに大衆の興味に変化が生じると、ドジソンが撮影した写真は人気が出始めるようになった。

ドジソンの身長は183cmのスレンダーな体型、カールブラウンの紙、青と灰色が混合した目をしていた。中年時に膝を痛めたのが原因かもしれないが、のちにいくぶん身体の左右が不均衡で動きがぎこちなかったと描写されている。

幼少のころドジソンは片方の耳が聞こえなくなる熱病を患っている。また、17歳のときには百日咳にかかり、これがのちの人生における慢性的な胸の弱さの原因となっている。

そして、なによりドジソンが成人期まで引きずった唯一の明らかな欠点は、彼自身が「ためらい（hesitation）」と名付けていた吃音癖だった。

吃りはつねにドジソンのイメージの重要な部分だった。吃りは大人と対話するのみ起こり、子どもが相手のときは流暢に話していたと言われているが、この証拠を裏付けとなる証拠はほぼない。

ドジソンと交友のあった多くの子どもたちは、ドジソンの吃りを覚えているが、一方で多くの大人たちは吃りに気づかなかったと報告されている。つまり、ドジソンの吃りは対人恐怖やあがり症ではなく、生来のもの、彼の兄弟の多くも吃りだったことから遺伝的なものだといえる。

しかし、ドジソン自身は彼と関わりのあった人たち以上に自身の吃りを気にしていた。たとえば、『不思議の国のアリス』に登場するドードー鳥は、「ドジソン」という自分の名前をうまく発音できなかった自身を戯画化したものであるという。

吃りはドジソンの大きな悩み事の１つだったが、社会生活を送る上で、特に生活に支障をきたすレベルのものではなかった。むしろ、ドジソンは普通の人よりも社交的であり、人々を楽しませる能力があった。人前で歌を歌うのが得意で、観客の前に立つと不安になということはなかった。また物真似が得意で、トークが上手く、非常に評判がよかったといわれている。

■参考文献

・Lewis Carroll’s Photographs of Alice Liddell, the Inspiration for Alice in Wonderland | Open Culture 

・Lewis Carroll - Wikipedia

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Alexandra_Kitchin

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Isa_Bowman

エブリン・モード・ハッチは、1871年父エドウィン・ハッチと母エブリン・ハッチのあいだに生まれた。父エドウィン・ハッチは神学者で、作家であり、オックスフォードのセント・メアリー・ホール副長だった。のちの教会師の講師になった。

エブリンにはベアトリスとエセルの二人の姉がおり、自身の名前は母にちなんで同じ名前を付けられた。ほかに彼女にはアーサー・ハーバート・ハッチという兄がおり、彼はモルバーン大学の学寮長になっている。ハッチの一家はエドワード・バーン＝ジョーンズやアルジャーノン・チャールズ・スウィンバーン、ウィリアム・モリスといった一流芸術家と交流のあるサークルに入っていた。

家族は1867年に北オックスフォードのノアハム・ガーデンズのバーブリー・ロード沿いにゴシック様式の邸宅を建てて生活をしていた。近隣には生物学者のトマス・ヘンリー・ハクスリー一家や著作家家オルダス・ハクスリー一家が住んでいた。

エブリンはオックスフォード女子高校に進み、そこで彼女は演劇などの課外活動に参加した。1879年にエブリンはシェイクスピアの『夏の夜の夢』の演劇に参加し、蜘蛛の巣の妖精を演じた。

姉らと同じくエブリンもまたドジソンの「小さなお友だち」となり、ドジソンと親密関係を深め、ドジソンは彼女を撮影した。

なお、ドジソンはつねに上流階級の家族の子どもに限ってのみ関心を示し、決して下流階級の子どもとは親しくなろうとしなかった。エブリン一家は中流の上の階級で、家族ぐるみでドジソンと付き合っていた。

姉妹のなかでも、エブリンと長女のベアトリスが特にドジソンの少女写真におけるミューズ的存在で、ヌード写真まで撮影するほど親しい仲である。エブリンよりも、長女のベアトリスのほうがドジソンの長いお気に入りだったといわれている。下の寝そべったエブリンのヌード写真は彼女が8歳のときのものである。もちろん彼女たちの母親に事前にヌード撮影の許可を得ている。

ドジソンはエブリンにカードやクマのぬいぐるみ、オルゴール、などさまざまなプレゼントを贈っている。週末や一泊旅行やピクニックでドジソンがエブリンを連れて行くことは珍しくなかったという。

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Evelyn_Hatch

エセル・シャーロット・C・ハッチは、1869年父エドウィン・ハッチと母エブリン・ハッチのあいだに次女として生まれた。姉がベアトリスで、妹はエブリンである。またアーサー・ハーバート・ハッチという兄がおり、彼はモルバーン大学の学寮長になった。

ハッチの一家はエドワード・バーン＝ジョーンズやアルジャーノン・チャールズ・スウィンバーン、ウィリアム・モリスといった一流芸術家と交流のあるサークルに入っていた。

家族は1867年に北オックスフォードのノアハム・ガーデンズのバーブリー・ロード沿いにゴシック様式の邸宅を建てて生活をしていた。近隣には生物学者のトマス・ヘンリー・ハクスリー一家や著作家家オルダス・ハクスリー一家が住んでいた。

エセルはオックスフォードシャーにあるオックスフォード女子高校に進学した。17歳で卒業し、母と3ヶ月間セント・レオナルズへ休養した。休養中、母親は自らエセルに個人教育を続けた。

姉らと同じくエセルもまたドジソンの「小さなお友だち」となり、ドジソンと親密関係を深め、ドジソンは彼女を撮影した。

なお、ドジソンはつねに上流階級の家族の子どもに限ってのみ関心を示し、決して下流階級の子どもとは親しくなろうとしなかった。エセル一家は中流の上の階級で、家族ぐるみでドジソンと付き合っていた。

ドジソンは姉妹のなかでも、エセルやエブリンよりも長女のベアトリスが長いお気に入りだったといわれている。しかし、エセルもまたドジソンとは長く付き合っていた。

着衣で写真撮影にくわえて、ドジソンはエセルのヌードも撮影している。彼女はドジソンのミューズの1人と見られていた。

ドジソンはエセルを画家のフーベルト・フォン・ヘルコマーのもとで絵を学ぶようすすめる。結局、ドジソンのすすめ通りにはいかなかったが、ロンドンのスレード美術学校に通いはじめる。

在学中、彼女はおもに外国の風景や花に焦点を当てた絵画制作をしていた。スレードで、エセルはヘンリー・トンクス、フィリップ・ウィルソン・スティア、フレドリック・ブラウンのもとで学んだ。1896年から1897年にかけてブラウンの絵画クラスに入り、そこで優秀証書を得ている。

エセルの絵はほとんど水彩画で、彼女の絵はギャラリーで展示された。オークション会社のクリスティーズは何度かエセルの作品を競売にかけており、エセルの水彩画作品の１つ『On the Sand, Midsummer』は352ポンドで落札されている。

エセルの作品はおもに、自身が加入していたニューイングランド・アート・クラブで展示された。

1889年11月10日、エセルの父が死去。エセルは当時20歳だった。エセルは木版画やイラストレーションでおもに活動してした芸術家ジョン・ハッサルと友好関係を結んでいた。

1959年に刊行された『スウィンバーンの手紙,1854-1869,vol.1』に、エセルは詩人スウィンバーンと父エドウィンとの手紙のやり取りやほか父が雑誌に書いたスウィンバーンの批評文をコピーしてを寄稿した。

1920年9月20んち位、51歳でエセルは神学者のウィリアム・サンデイの葬儀で喪主をつとめた。1975年に105歳で死去。

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Ethel_Hatch

アニー・ロジャーズ（1856年2月15日-1937年10月28日）はイギリスの女子教育のプロモーター。子ども時代にルイス・キャロルの写真モデルになっている。

1863年にルイス・キャロルの写真のモデルとなり、用意した衣装を着て撮影されている。また撮影した上の写真《f Annie Rogers and Mary Jackson as Queen Eleanor and the Fair Rosamund》にルイス・キャロルは詩をそえている。

A picture, which I hope will

B one that you will like to

C. If your Mamma should

D sire one like it, I could

E sily get her one.

ロジャーズは女子学生の家庭教師となり、その後、オックスフォードのセント・アンズ・カレッジの創設に関わる。のちの彼女は女性の学位取得の歴史『Degrees by Degrees』を書いた。

 ロジャーズはオックスフォードで、父ジェームズ・エドウィン・ソロールド・ロジャースと母アンナ・ロジャーズのあいだに生まれた。父は女性の人権運動家だった。彼女は6人兄妹の長女でたった1人の女の子だった。

ロジャーズは1873年に開催されたオックスフォードの試験でトップになり、自動的にベリオール・カレッジもしくはウースター・カレッジ入学資格を得た。

けれども残念賞として彼女ホメロス６巻を与えられるだけで、彼女の資格はテストで６番目の少年に与えられることになった。

ロジャーズは1877年と1879年に学位試験を受けることができ、彼女はラテン語とギリシア語と古代史それぞれで第1級（First Class)取得した。しかし、彼女は女子学生の入学禁止を解除した1920年まで、正式にオックスフォード大学の学位を授与されなかった。

彼女は女性だったため、オックスフォードの学位を取り消されたことがある。彼女はオックスフォード大学を第1級（First Class)の学位を取得する能力があったが、当時、オックスフォード大学では女子への学位授与が認められなかった。可能になったのは1920年で、1920年になって公式に授与された。

1879年にオックスフォード大学は女子のためのファースト・ホールが開設され、ロジャーズは唯一の女性としてオックスフォード大学の学位と同等の授業を受け、その後オックスフォード高等女子教育の推進連盟の秘書となった。

1893年にオックスフォード高等学校でラテン語の教師となる。1897年に『オックスフォートとケンブリッジの女性の地位』という論文を書き、この文書は女子教育の助成金支援を改善させるきっかけにもなった。この文書はクララ・モーダンに影響を与え、セント・ヒューズ・カレッジの新設につながった。

注目に値することとして彼女はオックスフォード・ホーム・スチューデント学会（セント・アンズ・カレッジ）の事務員となったこと。彼女は古典共用を教える女性としての才能があり、セント・アンズ・カレッジの創設者の１人として認められた。

ロジャーズは1937年にオックスフォードでトラックにひかれて死去。死後、1938年に出版された彼女の書籍『Degrees by Degrees』はオックスフォード大学の学位の歴史を記録した重要なもので、著者のその初期歴史において不可欠な存在だった。

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Annie_Rogers

ヘンリー・ジョージ・リデル（1811年2月6日-1898年1月18日）はオックスフォード大学クライストチャーチの学部長、オックスフォード大学の副学長（1870-1874年）、ウェストミンスター学校の校長（1846-1855）、『ローマ史』の著者。また、ロバート・スコットとの共著『ギリシア語＝英語辞典』で"リデル＆スコット"として知られている。彼らが出版した『ギリシア語＝英語辞典』は現在でも広くギリシア人学生に利用されている。また、ルイス・キャロルの『不思議の国のアリス』のモデルになったアリス・リデルの父でもある。

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Henry_Liddell

「世界のアリスイラストレーター」は、『不思議の国のアリス』や『鏡の国のアリス』のイラストレーションを描いた絵描きたちのこと。著名人だけでも70人以上いる。ここではイギリスの主要イラストレーターを紹介するが、他の国のイラストレーターも含まれている。

『不思議の国のアリス』は1865年に初めて出版されたが、そのときにイラストレーションをしたのはジョン・テニエルだった。

1890年には『子供部屋のアリス』が出版される。挿絵は原著に使われたジョン・テニエルの白黒の挿絵から20の場面を選び、テニエル自身が彩色を施した。また、表紙絵はテニエルではなく、キャロルの友人のE.ゲルトルード・トムスンが手がけた。

また、1890年代にはイギリスの絵本作家ビアトリクス・ポターによるアリスのイラストレーションが描かれている。彼女は6つのイラストレーションを制作したが、１つは本の中に含まれなかった。

アメリカでは1891年まで、出版社は海外の著作権の制約を受けず、内容をコピーして販売することができた。しかし、1891年からイギリスの出版社や著者と契約をしなければならなくなった。その結果、いくつかアメリカの出版社はテニエルのイラストレーションとアリスの本の特許を取得して出版することになった。

イギリスでは1907年まで、マクシミリアン社がイギリスとその植民地で『不思議の国のアリス』の著作権を独占権を得ていた。1907年までに少なくとも4人の挿絵画家が『アリス』に挿絵をつけている。

ブランチ・マクメイナスは1899年に初めて、ルイス・キャロル原作のままテニエルとは異なる『不思議の国のアリス』新しいイラストレーションを描いた。ペーター・ニューエルは、1901年にテニエルとは異なる写実的で表情豊かなキャラクターを描いている。

1907年に著作権がきれると、世界中の多くの出版社がテニエルと異なる新しいイラストレーションでアリスの本を出版するようになった。著作権消失後2年間で、約20もの『不思議の国のアリス』が出版された。（なお『鏡の国のアリス』は1948年まで著作権が切れなかった）。

特に人気が高かったのは、1907年に出版された、アーサー・ラッカムのものとチャールズ・ロビンソンのアリスだった。

続く。

■参考文献

・Illustrators of Alice's Adventures in Wonderland

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Gertrude_Stein

パブロ・ピカソ（1881年10月25日 - 1973年4月8日）は、成年期以降の大半をフランスで過ごしたスペインの画家、彫刻家、版画家、陶芸家、舞台デザイナー、詩人、劇作家。20世紀の芸術家に最も影響を与えた1人で、キュビスム・ムーブメントの創立者である。ほかにアッサンブラージュ彫刻の発明、コラージュを再発見するなど、ピカソの芸術スタイルは幅広く創造的であったことで知られる。

代表作は、キュビスム黎明期に制作した《アヴィニョンの娘たち》(1907年）や、スペイン市民戦争時にスペイン民族主義派の要請でドイツ空軍やイタリア空軍がスペイン市民を爆撃した光景を描いた《ゲルニカ》(1937年）である。

ピカソ、アンリ・マティス、マルセル・デュシャンの3人は、20世紀初頭の視覚美術における革命的な発展を担った芸術家で、絵画だけでなく、彫刻、版画、陶芸など幅広い視覚美術分野に貢献した。

ピカソの美術的評価は、おおよそ20世紀初頭の数十年間とされており、また作品は一般的に『青の時代』(1901-1904）、『ばら色の時代』(1904-1906)、『アフリカ彫刻の時代』(1907-1909)、『分析的キュビスム』(1909-1912）、『総合的キュビスム』(1912-1919）に分類されて解説や議論がおこなわれる。

2015年5月11日にニューヨークのクリスティーズで《アルジェの女たち》が競売にかけられ、約1億7900万ドル（約215億円）で落札され、オークション史上最高価格を記録した。今後もオークションで価格が上昇すると思われる巨匠である。

• キュビスムの創設者
• 代表作品は「アヴィニョンの娘たち」と「ゲルニカ」
• 一般的に「青の時代」「ばら色の時代」「アフリカ彫刻の時代」「キュビスムの時代」で解説される

現在、アート・マーケットで流通しているピカソ作品の中で最も高価格なのは2015年5月11日にニューヨーク・クリスィーズで競売にかけられた《アルジェの女たち》で、1億7900万ドルである。

次いで2013年にプライベート・セールで販売された『夢』が1億5500万ドル、2004年にニューヨーク・サザビーズで競売にかけられた《パイプを持つ少年》が1億3000万ドル、2010年5月4日にニューヨーク・クリスティーズで競売にかけられた《ヌード、観葉植物と胸像》が1億1550万ドル、2006年5月3日にニューヨーク・サザビーズで競売にかけられた《ドラ・マールと猫》が1億1180万ドルとなっている。

2017年5月17日に、『The Jerusalem Post』誌は「ナチスに盗まれたピカソ作品がオークションで4500万ドルで落札」と報じた。これはクリスティーズの出品された作品は1939年の『青い服の座っている女性』のことである。

2018年には、1937年作のマリー・テレーズ・ウォルターの肖像画《ベレー帽とチェックドレスの女性》が、ロンドンのサザビーズで4980万ポンドで落札された。

ファッション通販サイトZOZOTOWNを運営する日本の実業家でアートコレクターの前澤友作は《女性の胸（ドラ・マール）》。2016年秋に2230万ドルで購入している。

ピカソの『アフリカ彫刻の時代』(1907-1909年）は、作品右側の二人の女性の顔の造形がアフリカ彫刻の影響が見られる《アヴィニョンの娘たち》から始まる。この時期に発明されたアイデアは、次のキュビスムの時期に直接受け継がれていく。

1917年2月に、ピカソはイタリアを初めて旅行。第一次世界大戦の激動の時代下でピカソは多くの新古典主義スタイルの作品を制作した。この「古典回帰」は、アンドレ・ドラン、ジョルジョ・デ・キリコや新即物主義ムーブメントや1920年代に多くのヨーロッパの芸術家の作品において普遍的に見られた傾向である。

ピカソの絵やドローイングはしばしばラファエルやアングルから影響したものが見られた。この時期の代表作は《母と子》などがある。

1925年にアンドレ・ブルトンは、シュルレアリスム機関誌『シュルレアリスム革命』においてピカソをシュルレアリストとする記事を書き、また《アヴィニョンの娘たち》がヨーロッパで初めて同じ号に掲載された。

1925年に初めて開催されたシュルレアリスム・グループの展覧会にピカソは参加。しかしこの段階では、まだピカソはキュビスム作品だった。

展示された作品は、「シュルレアリスム宣言」で定義された心の純粋な動きを描くオートマティスムがコンセプトだったが、完全な状態とはいえないもので、自分自身の感情を表現するための新しい様式や図像を発展させている段階だったといえる。

「暴力、精神的な不安、エロティシズムの芸術的昇華は、1909年からかなりあらわれていた」と美術史家のメリッサ・マッキランは書いている。ピカソにとってのシュルレアリスム時代は、古典主義への回帰に続くプリミティヴィズムやエロティシズムへの回帰といっていいだろう。

1930年代の間、道化師に代わってミノトールが、作品上のピカソの共通のモチーフとして使われはじめた。ミノトールは一部にシュルレアリスムとの接触から由来しており、よく象徴的な意味合いで利用される。《ゲルニカ》でもミノトールが描かれている。

この時代、ミノトールのほかにピカソの愛人マリー・テレーズ・ウォルターが、有名なエッチング作品《ヴォラール・スイート》で描かれている。なお《ゲルニカ》にはマリー・テレーズ・ウォルターとドラ・マールが描かれている。

1939年から40年にニューヨークの近代美術館で、ピカソ愛好家で知られるアルフレッド・バルの企画のもと、ピカソの主要作品を展示する回顧展がおこなわれた。

おそらくピカソの最も有名な作品は、スペイン市民戦争時におけるドイツ軍のゲルニカ空爆を描いた《ゲルニカ》である。この巨大なキャンバスにピカソは、多くの非人間性、残虐性、戦争の絶望性を体現した。

ゲルニカは長い間ニューヨーク現代美術館に展示されていた。1981年に作品はスペインに返却され、マドリードのプラド美術館別館カソン・デル・ブエン・レティーロに展示された。1992年の国立ソフィア王妃芸術センター開館時に《ゲルニカ》は移転されて展示された。

パブロ・ピカソは1973年4月8日、フランスのムージャンで死去。92歳だった。エクス・アン・プロヴァンス近郊のヴォヴナルグ城に埋葬された。

ヴォヴナルグ城は1958にピカソが購入して、59年からジャクリーヌ・ロックと一時的に住んでいた城だった。ピカソの膨大な作品がここに保管された。何百というピカソの作品と蔵書などがこの城に移され、城はさながらピカソの個人美術館のようなていをなした。

ジャクリーヌ・ロックはピカソの子どものクロードやパロマの葬儀への出席をことわった。ピカソの死後、ジャクリーヌ・ロックは、精神的な荒廃と孤独にむしばまれ、1986年に59歳のとき銃で自殺した。

ピカソは若いころ、1900年初頭から起こりはじめたカタルーニャ独立運動を支持表明しており、また独立運動の活動家とも交友していたが、自身はフランス在住ということもあり、独立運動から距離を置いていた。

ピカソは第一次世界大戦、スペイン市民戦争、そして第二次世界大戦のいずれの戦争にも参加していない。当時、ピカソはフランス在住スペイン人だったため、侵略するドイツ軍と戦う義務がなかったのが大きな理由である。なお、1940年にピカソはフランス市民権の取得申請をしているものの、フランス政府から「極端な共産主義思想を持っている」と危険視されていたため、市民権が付与されなかった。このことは2003年まで明らかにされなかった。

1936年にスペイン市民戦争が勃発したとき、ピカソは54歳だった。戦争が勃発するやいなや、スペイン人民戦線政府（共和国派）はピカソを「不在ではあるがプラドの館長」に任命する。ジョン・リチャードソンによれば、政府とピカソはプラド美術館のコレクションをジュネーブへ避難する資金を供給する企画をたてたという。

スペイン市民戦争はピカソの政治作品における原動力となった。1937年、ピカソは怒りやファシズムやフランシスコ・フランコ軍への非難を込めて、《フランコの嘘と夢》を制作。また、本作は宣伝と人民戦線政府への資金調達を目的として制作されポストカードシリーズとして販売された。

1944年、ピカソはフランス共産党に加入し、ポーランドで開催された「平和のための知識人世界会議」に出席する。1950年にはソビエト政府からスターリン賞を受賞。

1953年に制作したスターリンの肖像を用いた党批判は、ソビエト政治に関するピカソ現実的な冷淡な姿勢を表現しているけれども、ピカソは死ぬまで忠実な共産党員だった。

ピカソの画商で社会主義だったカーンワイラーは、ピカソの共産主義思想は政治よりむしろ感傷的な部分が強く、「ピカソはカール・マルスクやエンゲルスの本を読んだことはない」と話している。

1945年のジェローム・セックラーのインタビューで、ピカソは、「私は共産主義者であり私の絵画は共産主義的絵画だ。しかし、もし私が靴屋だったら、王政主義者でも共産主義でもどちらであっても、私は自分の靴を特別な方法で叩くいて政治観を表現することは決してないだろう」と話している。

ピカソの共産主義を支持する言動は、当時の大陸の知識人や芸術家の間で共有されており、長い間いくつか批判の的になった。その顕著な例は一般にサルバドール・ダリとの関係だろう。

ダリは「ピカソは画家であり、私も画家だ。ピカソはスペイン人であり、私もスペイン人だ。ピカソは共産主義だ、しかし私は共産主義ではない」と話している。

1940年代後半、ピカソの旧友でシュルレアリスムの創始者でトロツキストで反スターリン主義のアンドレ・ブルトンはよりピカソと距離を取りはじめ、ピカソと手を組むことを拒んだ。ブルトンはピカソに「私はピカソの共産党への入党も、解放運動後の知識人への粛清に対してピカソ取った態度に納得できない」と話している。

ピカソは朝鮮戦争時、国連と米国の介入に反対し、彼らの韓国の大虐殺を主題にした作品《朝鮮虐殺》を制作した。美術批評家のクリスチャン・ホビング・キーンはこの作品について「アメリカの残虐行為に関するニュースに影響を受けたピカソの共産主義的作品の代表的な１つとして評している。

ピカソはほかの画家たちよりも長い生涯を通じて多作だった。ピカソが制作した作品総数は約50,000点と推定されており、1,885点の絵画、1,228点の彫刻、2,880枚の陶器、120,00点のドローイング、そのほか数千点の版画やタペストリー、ラグなどがある。

ピカソが最も重視していたのは絵画である。絵画においてピカソは表現主義的要素の強い色を使っていたように見えるが、色よりも、むしろ空間や形態をうまく考慮した構図に注意を払っていたように思える。

ピカソはときどきテクスチャを変えるために砂を混入していた。2012年にアルゴンヌ国立研究所で物理学者が1931年作の《赤い肘かけ椅子》をナノプローム分析したところ、ピカソ作品の多くは普通の家の屋内で制作され、また多くは人工光を頼りに夜間に描かれたものだとわかった。

ピカソの初期彫刻作品は木、もしくはワックスや粘土を素材にしている。1909年から1928年までピカソはほかにもさまざまな素材を使用して彫刻を制作している。たとえば、1912年の《ギター》は金属板やワイヤーを利用しており、ジェーン・フルーゲルは「キュビスム絵画の三次元作品」と規定し、「伝統的な彫刻から外れた革新的な造形であり彫刻である」と評している。

キャリア初期からピカソはあらゆる主題に関心を示していた。また、さまざまな芸術様式をすぐに吸収して作品に反映させることができるスタイルの多様性も持ちあわせていた。

たとえば、1917年の《マンティラの女性》は印象派の点描方法を利用しており、1909年の《アームチェアに座るヌード》はキュビズム、1930年代は《花と女性》で見られるようなフォービスムやシュルレアリスムの影響を色濃く受けた作品を多数制作している。ピカソのスタイルの変化は生涯続いた。

1921年には、さまざまな巨大な新古典主義絵画と2つのバージョンのキュビスム絵画を同時に制作している。

1923年のインタビューでピカソは、「私が芸術制作で利用してきたさまざまな方法は美術史において進歩的な方法、もしくは未知の絵画を探るためのステップであるものと考えるのは間違いだ。もし関心のある主題がこれまでとは異なる表現スタイルで描きたくなったら、私は躊躇せず新しい表現スタイルを採用するだけだ」。と話している

ピカソのキュビスム作品は抽象性が高いが、描く対象は現実世界から外れるということは決してなかった。彼のキュビスム絵画で描かれた対象はギター、バイオリン、ボトルなどだれでも簡単にわかるものだった。

ピカソが複雑な情景や物語を表現する際はいつも版画、ドローイング、小サイズの絵画だった。《ゲルニカ》は数少ないそうした作品の中でも数少ない巨大絵画作品である。

ウィリアム・ルービンによれば、「ピカソは本当に自身と関わりのある主題からのみ作品を作った。マティスと異なり、ピカソは成熟期になると事実上モデルを雇ったりして描くことはなかった」と話している。

また、アーサー・ダントーは「ピカソの作品は広大な絵による自伝である」と評し、また「ピカソは新しい愛人ができるたびに新しい芸術スタイルを発明した」と評している。

ピカソ芸術における自伝的な性格は、彼が作品に頻繁に付けていた制作日時の習慣からも理解できる。「私はできる限り完全に記録を残したいと思っている。そのため作品にはいつも日付を入れている」と話している。

ピカソは絵画や彫刻で当時流行りだした記号論をうまく取り入れて、言葉、形態、オブジェクトの相互作用を拡張した。

彫刻作品《バブーン》では、猿の頭がおもちゃの自動車に変化させ、言葉ではないイメージによる換喩表現をおこなった。５つの並行的な弦でギターを描いた。またオブジェクトを描く代わりに言葉だけを用いたりもした。たとえば1911年の絵画《パイプラックとテーブル上の静物》では、海を描く代わりに“ocean” と言葉を書いた。

生存中におけるピカソの芸術の影響は、称賛者と批判者の２つの批評で広く認知されていた。

1939年にMoMAで開催された回顧展で、『Life magazine』は「ピカソは25年間ヨーロッパの近代美術に貢献し、ピカソの批判者たちはピカソを腐敗した影響とみなした。同等の激しさを持つピカソの友人は、彼を生きているなかで最も偉大な芸術家と」評している。

また、1998年に美術批評家のロバート・ヒューズは「パブロ・ピカソが20世紀の西洋芸術に貢献したという評価は単純である。画家も彫刻家もミケランジェロでさえも、芸術家自身が生存中にピカソぐらい広く一般的に有名になることはなかった」と評している。

ピカソがなくなったとき、ピカソは自身で多くの作品を所有していた。理由は売らないことで市場での価格を維持するためだった。追加すると、ピカソほかの多くの有名近代美術の作品を所有するコレクターでもあり、アンリ・マティスとは作品の交換もしていた。

ピカソは遺言を残さなかったので、フランス国家の遺産税は作品で支払われることになった。現在これらの作品の大半は、パリにあるピカソ美術館の核をなす作品群となっている。「青の時代」と呼ばれている初期の代表作『自画像』をはじめとして、『籐椅子のある静物』、『肘掛け椅子に座るオルガの肖像』、『浜辺を駆ける二人の女 (駆けっこ)』、『牧神パンの笛』、『ドラ・マールの肖像』、『接吻』などを収蔵している。

2003年にピカソの親戚がピカソの生誕地であるスペインのマラガに、マラガ・ピカソ美術館博物館を建設した。

バルセロナにあるピカソ美術館が所蔵する作品の多くは初期作品に焦点をおいたもので、こちらはピカソ生存中に建設されている。ピカソ美術館では、伝統的な技術を基盤にしたピカソのしっかりした基礎を鑑賞できる作品を多数鑑賞することができるのが特徴だ。美術館には、父親の指導のもとでピカソが少年時代に制作した緻密な人物画や、ピカソの親友で秘書でもあったジャウマ・サバルテスの広大なコレクションを鑑賞できる。

《ゲルニカ》はニューヨーク近代美術館で長年にわたって展示されていた。1981年にスペインに返却され、マドリードにあるプラド美術館にあるカソン・デル・ブエン・レティロに展示されていた。1992年9月、マドリード市内に国立ソフィア王妃芸術センターが開館すると、《ゲルニカ》はコレクションの目玉としてプラド美術館からソフィア王妃芸術センターに移された。

■参考文献

・Pablo Picasso - Wikipedia

 ドラクロワはリセ・ルイ＝ル＝グランや、ルーアンにあるリセ・ピエール・コルネイユで中等教育を受けた。このころに自主的にで古典絵画に夢中になり、ドローイングで賞を得ている。

1815年に彼はフランスの新古典主義の画家ジャック＝ルイ・ダヴィッドの系統にあるピエール＝ナルシス・ゲランのもとで本格的に絵画を学んだ。初期作品の代表作は1819年に制作した《収穫期の処女》で、本作品はラファエロの影響が多くみられる。1821年に制作した《聖心の処女》はより自由に解釈ができる。

このころはまた、バロック画家のピーター・パウエル・ルーベンスや友人のフランス人画家でロマン主義の先駆者のテオドール・ジェリコーの影響も見られる。

ジェリコーの《メデューズ号の筏》に出会ったときの衝撃は、ドラクロワにとって深遠であり刺激的であり、それは1882年にパリ・サロンに入選した最初の有名作品《ダンテの小舟》の制作へと導くことになった。この作品はセンセーションを引き起こし、大衆や完了から大きな非難を浴びたが、リュクサンブール美術館が購入した。

 2年後に制作した《キオス島の虐殺》でドラクロワは市民の注目を集めるようになる。1822年に、当時オスマン帝国統治下のギリシアのキオス島にて、独立派らを鎮圧するため、トルコ軍兵士が一般住民を含めて虐殺した事件の一場面を、キャンバスにて表現したものである。

当時の歴史的事件に関する絵画制作の１つに、ギリシア人のトルコからの独立に端を発するギリシャ独立戦争があり、この戦争は当時のフランス大衆たちの関心事だった。ドラクロワは、本作で新しいロマン主義スタイルの代表的画家として評価され、作品は国が購入した。

本作品の悲惨な描写は、議論を巻き起こしたが、ダヴィドの《ホラティウス兄弟の誓い》のように、勇気を持って剣を振りあげる愛国者の輝かしいイベントは当時なかった。多くの批評家が本作における絶望的な様子を悲しんだ。アントワーヌ＝ジャン・グロは本作を《芸術の虐殺》と呼んだ。

死んだ母親の乳房に必死にしがみつく乳児の哀愁は特に力強い効果を観るものに与えるが、ドラクロワの批評家たちはこの描写は不適切だと非難した。

また、ジョン・コンスタブルの絵画の視点やリチャード・パークス・ボニントンの水彩画やスケッチはドラクロアに広範囲に影響を与えており、これまでより空や遠景の描き方に変化が感じられる。

1826年に制作した《ミソロンギの廃墟に立つギリシア》は、1826年にオスマン帝国の攻撃を受けた「メソロンギの包囲」に影響を受けて制作されたものである。

ギリシア衣装を身に着けた女性が胸をさらけているが、腕を半分をあげて降伏するようなポーズを示しているが、女性はギリシア自身を比喩表現したものである。手を広げた女性の姿勢と表情は、無原罪の象徴である聖母マリアの伝統的な宗教画を想起させる。

1825年、オスマントルコ帝国からの独立戦争でトルコはミソロンギの街を包囲されていた。1年後の1826年、ギリシアの人々はすでに飢餓と伝染病におかされ崩壊状態だったため、メソロンギの市民は包囲された町からの脱出を試みた

。しかし、トルコが街の人口の大半が虐殺される悲劇で終了したが、そのメソロンギ市民の英雄的姿勢を評価して本作は描かれた。

1825年にトーマス・ローレンスやリチャード・パークス・ボニントンらとともにイギリスへ旅行した際、現地でイギリス絵画の色使いや処理を見たことはドラクロワにとって等身大肖像画を描く際の弾みとなった。

そうして制作されたのが《ルイス・オーギュスト・スウェザーの肖像》(1826–30)である。同時期にドラクロワは数多くの主題をロマン主義風制作しているが、そのときに扱った主題の多くは、以後30年以上も関心を持ち続けた。

1825年までにドラクロワはシェイクスピアのイラストレーションをリトグラフで制作しており、ほかにゲーテの『ファウスト』をもとに絵画やリトグラフ作品も制作している。

また、1826年に制作した《異端者とハッサンの戦い》や1827年の《オウムと女性》などの絵画のように、暴力と官能を主題とした絵画を反復的に制作していた。

これらのさまざまなロマン主義の糸線は《サルダナパールの死》（1827−28年）に結集された。アッシリア王サルダナパールの死を描いたドラクロワの絵画は、美しい色彩、エキゾチックな衣装、悲劇的な出来事をともなう生き生きとした感情的で爽快なシーンを表現している。

本作は1828年のパリ・サロンで展示され論争の的となった。理流は新古典主義様式ではないためだった。ドラクロワの絵画は控えめな色彩、厳格な空間、全体的に道徳的な主題である新古典主義の伝統とは対照的なものだった。

バイロン作の戯曲『サルダナパール』に基づて制作しているが、原作にはこのような妾たちの大虐殺に言及したシーンはない。特に衝撃なのは、はがいじめにされ今にも喉を切られようとしている裸の女性がもがく描写で、その描写は鑑賞者にインパクトを与えるため前景右側に顕著に描かれている。

ドラクロワの主題となるのは、自身の世俗の財産や妾が破壊されているのを眺めているサルダナパール王である。サルダナパールは軍の敗北に際し、財産を破壊し愛妾を殺害するよう命じ、自身で火をつけたのである。

しかしながら、感覚的な美しさとエキゾチックな色合いの構成が、官能的な悦楽性と衝撃的な恐怖性の両方を同時に表現している。

ドラクロワの最も有名な作品は、1830年に制作した《民衆を導く自由の女神》である。主題の選択や技術において、ロマン主義と新古典主義の違いを明確に理解できる作品であり、また、テオドール・ジェリコーのロマン主義とも異なる作品である。

ドラクロワは、人物と群衆を使って全体的に生き生きとした雰囲気の構図の作品を作ろうと考えた。その際に、人工的に作り出したフランス共和国の自由の象徴となる人物によって絵画が良くなるように。

たぶん、ドラクロワの代表的な絵画である《民衆を導く自由の女神》はパリジアンのイメージとして永久に忘れられないものである。中心に描かれている「自由」と「平等」と「友愛」をあらわすフランス国旗を右手で掲げ民衆を導く女性は、フランスのシンボルである、マリアンヌの姿の代表例の一つである。前景に横たわっている死んでいった戦士たちは象徴的な女性像と対照的な効果をもたらしている。

ドラクロワは自由の精神のロマン主義的イメージを呼び起こす現代的な事件に触発され制作している。ただ、シャルル10世に反発してルイ・フィリップに王権を置き換えた1830年の7月革命の出来事を称賛するというよりも、フランスの人々の意思や特徴を明確に伝えようとしている。

1831年5月のサロン展に出品され、フランス政府は革命を記念するためとしてこの作品を3,000フランで買い上げたが、翌1832年の六月暴動以降、あまりにも政治的で扇動的であるという理由から、1848年革命までの16年間は恒常的な展示は行われなかったという。1874年から今日に至るまで、ルーヴル美術館に収蔵されている。

1832年ドラクロワはフランス植民地となったアルジェリア直後、モロッコ外交使節団の一員としてスペインや北アフリカを旅行している。芸術を学ぶためではなかったが、パリ文化とは異なるプリミティブな文化をもっと見たいという欲望が強かったという。

そうして、北アフリカの人々の生活風景のドローイングや絵画を100点以上制作し、ドラクロワの中でオリエンタリズムに対する新たな個人的な関心が芽生えるようになる。特に外国の人々や衣装に関心を抱き、旅行は将来の絵画において非常に多くの主題となるだろうとドラクロワは直感したという。

ドラクロワは、北アフリカ人の服装や態度に古代ローマやギリシアの人々たちと視覚的に同等の価値があると信じた。「カトーやブルータスのような白い布で身を包んだアラブ人たちを見ると、ギリシアやローマへの扉はここにある」と述べている。

ドラクロワはアルジェリアでこっそりアルジェリアの女性たちをスケッチした。そのときのスケッチをもとに制作した代表的な絵画が1834年に制作した《アルジェの女たち》である。イスラム教徒の女性が日常的にヒジャブで顔を隠す規律があったため、このような開放的なムスリムの女性を探すのは非常に困難だったという。

なお、北アフリカ在住のユダヤ人女性の絵画を制作するのはさほど問題ではなかったという。代表的な作品は1837年から1841年にかけて制作した《モロッコのユダヤ風結婚式》である。

ドラクロワは作品制作をする上で、シェクスピアやバイロン卿の文学作品、画家ではミケランジェロなど、さまざまな芸術家や事象からインスピレーションを受けている。しかし、1855年の発言によれば人生の始めから終わりまで絵画制作に最も影響を与えていたのは音楽だった。

「音楽と比べれば何でもない。音楽のおかげで比類のない色合いを表現できている」とドラクロワは話している。

サン＝シュルピス教会で絵を制作している際、音楽はドラクロワの精神状態を"昇天"へと導き、絵画に大きな影響を与えていたという。なかでもショパンのメランコリーな音楽やベートーベンのパストラルな音楽から強力なインスピレーションを受けていた。

■参考文献

・Eugène Delacroix - Wikipedia

1849年から1850年に、クールベは《石割人夫》を制作。社会主義者で無政府主義者のピエール・ジョゼフ・プルードンはこの作品を農民たちの生活のアイコンとして称賛し、"クールベの作品の中でも最も良い作品"と呼んだ。

絵画はクールベが路傍で目撃した光景から影響して制作された。彼はのちにシャンフルーリやフランシス・ウェイにこのように説明している。「こんなに完璧な貧困表現に遭遇することはほとんどない。その瞬間その場で、私は絵画のアイデアを得て、彼らに翌朝アトリへ来るように話しかけた」。

クールベが《石割人夫》において重労働にあえぐ下層民衆をなまなましく描いたことは、民衆の貧困や貧富の差が社会問題になっていたことも無関係ではない。プルードンはクールベの支持者で、クールベも後に《プルードンの肖像》を描いている。

また、本作が描かれた1848年にはマルクスとエンゲルスによる『共産党宣言』が刊行されているが、当時は社会主義やより急進的な共産主義が誕生し、貧困や社会的不平等についての意識が先鋭化した時代であった。

クールベの作品はロマン主義や新古典主義のどちらにも属していない。パリ・サロンにおいては歴史画が画家の最高の呼び名として称賛されるが、クールベは歴史画に関心がなく、彼は「一世紀だけの芸術家は基本的に過去、または未来の世紀の側面を再現することはできない」と話している。

そのかわりに、クールベは可能な限り自身が生きている間に自身が経験した事を、芸術の源泉にしようとした。クールベとジャン＝フランソワ・ミレーは、現実の農民や労働者の生活から創作のインスピレーションを感じ、それら現実を描いた。

クールベは具象的な方法で、風景画、海洋画、静物画を描いた。また農村の中産階級、農民、貧しい労働状態など世俗的で卑しいとみなされる主題を描くことで、作品内に社会問題を取り入れ論争を引き起こした。

クールベの作品はオノレ・ドーミエやミレーらとともに「写実主義」として知られるようになった。クールベにとって写実主義は線と形の完璧さではない。芸術家が自発的に、また荒めに、自然内の不規則な肖像を描き、直接見たものを描こうとすることが重要だった。

クールベは、同時代における現実の人生における過酷さを描き、同時に当時のアカデミック芸術の規範的な主題（歴史画や神話など）に挑戦していた。

1850−1851年のサロンで《石割人夫》や《フラジェージの農民》、《オルナンの埋葬》が大変な評判となった。

なかでも《オルナンの埋葬》はクールベ作品において最も重要な作品の１つで、1848年9月にクールベが出席した叔父の壮大な葬儀を描いたものである。伝統的な絵画で描かれるものは歴史物語の主人公や役者だったが、本作のモデルは葬儀に出席した一般の人々で、当時のオルアンの生活や現実の人々が表現されている。

この絵はクールベの生まれ故郷フランシュ＝コンテ地方の町オルナンにおける埋葬場面で、町長、判事、司祭など町民たちが執り行う普通の儀式場面である。平凡な地方ブルジョワの姿を画面にいっぱいに描いたのである。

横長の広大な絵画で、大きさは315 cm × 660 cmある。このサイズは本来、歴史画を描くときに利用するキャンバスである。葬儀に関する絵画は以前からもあったが、描く対象は宗教もしくは王室であり、また控えめで単調で儀式的に描くのがならわしだった。そうした主題を広大なキャンバスに描いたことは、批評家と一般公衆の両方から賞賛と激しい非難の両方を浴びることになった。

さらに、描かれている人物を見ると、「悲劇性」などを強調する芝居がかったしぐさがまったく見当たらない点もこれまでと異なる。人物をただ横に並べる単調にならべ、動きや変化のない身振り、平俗な人物表現、これまでの伝統的な歴史画と正反対の構図だった。

美術史家のサラ・ファンスによれば、「パリにおいて、この葬儀絵画は、まるで汚れたブーツを履いた成金が貴族のパーティを破壊するように、歴史絵画の壮大な伝統をひっくり返す作品と判断された」と評している。

賛否両論が激しくおこなわれたが、これをきっかけに最終的に一般市民は、新しい写実主義スタイルに対して関心を持ち始め、これまでの主流だったロマン主義や退廃耽美主義などは人気を失っていった。

芸術家はこの絵画の重要性を十分に理解していた。クールベは「オルナンの埋葬は、ロマン主義の埋葬という現実だった」と話している。

クールベは有名になり天才と称賛される一方で、「恐ろしい社会主義者」「野蛮人」とも揶揄されるようになった。クールベに一般大衆に対して、学校教育を受けていない農民としてへの認知を植え付けた。

一方で、野心的であり、ジャーナリストに対して大胆な宣告を行い、作品内に彼自身の生活を描写するという自己主張は「乱暴な虚栄心の現れ」とも評された。

クールベは美術における写実主義の思想を政治におけるアナーキズムと結びつけ、聴衆の支持を得た。また彼は政治的に動機づけたエッセイや論文を執筆して民主主義や社会主義の思想を促進もした。

2人の19世紀の芸術家が20世紀のキュビスムの出現の準備をした。クールベとポール・スザンヌである。スザンヌに関してはキュビスムに影響を与えたことがよく知られている。クールベの重要性はギヨーム・アポリネールにによって語られている。

彼の著書『キュビスム画家：芸術思索』（1913年）上で「クールベは新しい芸術家たちの父である」と記載されている。また、キュビスムの画家のジャン・メッツァンジェとアルベール・グレーズはよくクールベを「全近代美術の父」としてたとえていた。

クールベ、スザンヌともに自然描写方法を伝統的な方法を超えようと努めてきた。セザンヌを弁証法的な方法を通じて、自身が見ていたものを咀嚼したのに対し、クールベは唯物主義的方法を通じて自身が見ていたものを咀嚼した。キュビスムは美術上の革命を発展させる上で、クールベとスザンヌの2つのアプローチを組み合わせていたとされる。

正式なレベルでは、クールベは彼が描いていた物理的な特性、すなわち、質量や質感が重要である。美術批評家のジョン・バーガーは言った「クールベ以前にあれほど妥協を許さず自身が描いているものの密度や質量を強調していた作家はないかった」と話している。物質的な現実性の強調は彼の主題に品位を与えることになった。

バーガーは「キュビストの画家たちは彼らが表現していたものを物理的な存在として確立するため大変な苦労をした。そしてこのプロセスにおいて、キュビストたちはクールベの後継である」と評している。

クールベは多くの若手芸術家に慕われた。クロード・モネは1865年から1866年にかけて制作した《草上の昼食》でクールベの肖像を描いている。ジェームズ・マクニール・ホイッスラーやポール・スザンヌ、またヴィルヘルム・ライブルを中心としたドイツの画家に特に影響を与えている。

■参考文献

・Gustave Courbet - Wikipedia

・西洋美術の歴史７　19世紀　中央公論社